Película Nro. 2: "It Happened One Night"

Título Original: It Happened One Night (Sucedió una Noche).
País: Brasil/EEUU.
Año: 1934.
Género: Comedia, Romance.
Duración: 105 min.
Director: Frank Capra.
Ficha: http://www.imdb.com/title/tt0025316/

Pareja: Peter Warne (Clark Gable) y Ellie Andrews (Claudette Colbert).

No sé realmente cual es el truco pero existen algunas películas que son simplemente perfectas, películas que adoras y colocas en un pedestal tanto que cuando oyes a alguien criticarla te enfureces y los empiezas a insultar, a mí me pasa esto con casi todas las películas de este ciclo de amor, pero esta realmente es algo singular, con excepción de la número 1, esta es la película con culto mas grande de nuestra lista.

¿Cómo no va a estar en nuestra lista? si es un sexual tour-du-force, un contrapunteo delicioso de insultos, halagos e insinuaciones tan poderoso que aun siendo niño viéndola por primera vez me di cuenta de lo extraordinario de lo que estaba presenciando, lo impresionante es la clase con que se tratan todas las implicaciones sexuales, tanto que la vi con mi madre que la había alquilado en el ya fallecido Video Club Kerdell que quedaba a sólo unos pasos de mi casa y ninguno de los dos se sentía incómodo al presenciar las indirectas que los personajes se lanzaban como granadas el uno al otro. Esto me parece sumamente difícil, es muy difícil lidiar con el sexo de una forma que luzca como el acto natural que es y no como un evento sórdido lleno de perversiones baratas y estereotipos.

Déjenme ver si me explico mejor, en la película vemos a Ellie Andrews (Claudette Colbert), una heredera de una gran fortuna que ha sido toda la vida controlada por su padre y comprometida con un gigoló (cazafortunas) sólo para molestar a su padre, ella escapa en autobús, donde conoce Peter Warne, un audaz y arrogante periodista en busca de su gran reportaje, al encontrarse con Ellie vislumbra la posiblidad de un reportaje por lo cual decide acompañarla en su fuga, mas bien casi la obliga a acompañarla. La película es una road movie mucho antes de que el término se pusiera de moda, los personajes principales recorren casi todo el país norteaméricano arreglándoselas con el poco dinero que tienen y quedándose a dormir en los típicos moteles de carretera que todos conocemos gracias al cine gringo, como el motel Bates de Psicosis, aunque el motel Bates hará que nunca se hospeden en uno, "Sucedió una Noche" hará que quieran ingresar en cuanto motelucho de carretera barato encuentren, aquí es que empieza el sexo.

Una vez que Peter y Ellie empiezan a convivir pareciera que sus diálogos fueran una revelación de todo lo referente al sexo, lo inútil del pudor, lo irresistible de las tentaciones, lo delicioso que puede ser una discusión de pareja, en fin, una celebración de las diferencias de los sexos. Sin embargo gracias al estricto código Hays de censura en ningún momento se siente uno amenazado por las alusiones a la palabra sucia de 4 letras (sexo para los que no captaron mi poco sútil indirecta).

No me considero un puritano o conservador, apoyo la eutanasia, el aborto, la libre adopción, etc. pero soy muy fanático del código de censura, puesto que hacía que los directores se tornaran más creativos, ponía en alerta a los escritores para realizar sus líneas de maneras mas sútiles e inteligentes, conducían a una mejor interpretación por parte de los actores para lograr que esos diálogos sútiles cobren vida de una manera impresionante, es cierto que en muchos casos la censura exageraba y hacía que muchos películas perdieran valor, pero también hay muchos casos como éste en que la película se hacía mejor gracias a la censura. Hoy en día sin censura los directores y escritores se ven en la libertad de realizar lo primero que se les venga en mente, que por lo general es lo mas obvio, y los actores cada vez menos talentosos e inteligentes no son elegidos por sus capacidades intelectuales y eróticas de decir diálogos y expresarse, sino por la capacidad erótica de sus cuerpos. Gracias a la liberación de la censura pasamos de la traviesa Jean Harlow, de la sublime Irene Dunne, de la bomba Mae West y de la enternecedora Katharine Hepburn (todas fantásticas actrices de comedias románticas cargadas de erotismo) a la sosa Cameron Díaz, la aburrida Kate Hudson, la terrible Jessica Alba y la fatal Jennifer Aniston (todas terribles estrellas de las comedias románticas mas estupidas creadas por el hombre). Lo mismo pasa con los hombres vendimos al sensual Gary Cooper, al elegante Cary Grant, al dulce James Stewart y al incorregible Clark Gable (no existen palabras para describir lo brillantes de sus personalidades), para obtener las insípidas actuaciones del cretino Matthew McCounaughey, el imbécil Ashton Kutcher, la marmota de Seth Rogen y el clásico idiota de Hugh Grant (no existen palabras para describir el cretinismo y letargo mental de estas piltrafas).

Por esto yo me quedo estancado en el tiempo, en los años donde Gable era el galán de preferencia y Marilyn incendiaba la pantalla con su sexualidad e inocencia, cuando los guionistas escribían de forma inteligente y los directores dirigían con clase y precisión, me quedo con "Sucedió una Noche" con su divertida perspectiva de todo lo que se ordene sexual y espero con ansias que se derrumben las Murallas de Jericó (los que vieron la película me entenderán).

Película Nro. 5: "Ninotchka".

Título Original: Ninotchka.
País: EEUU.
Año: 1939.
Género: Comedia, Romance.
Duración: 110 min.
Director: Ernst Lubitsch.
Ficha: http://www.imdb.com/title/tt0031725/

Pareja: Conde Leon D'Algout (Melvyn Douglas) y Camarada Ninotchka (Greta Garbo).

Hay muchas escenas que vienen a mi memoria con tan sólo el nombre de esta película. En primer lugar cuando una chica mecanizada pregunta datos exactos de lo que la rodea: el tiempo entre silbato y silbato para poder cruzar la calle, donde queda el norte sin tener una brújula o cuántos escalones tiene la Torre Eiffel y qué está incluido en el costo del boleto. Después cuando la misma chica se ríe de su galán en lugar de hacerlos de sus chistes, en un restaurante barato donde ha pedido un plato más basado en calorías que en comida. También me recuerda ese discurso de dos ebrios de champagne ante imaginarias masas en la suite real de un hotel. Y la carta que nunca pudimos leer porque estaba completamente censurada, a excepción del nombre del remitente, pero no obstante su sólo nombre es suficiente para revivir las esperanzas. Esta chica que demuestra una secillez, como cuando envidia a las golondrinas, por emigrar a otros países, dejándola a ella tan sólo el frío y oscuro invierno. En un sentido, a pesar de ser Ninotchka una mujer ya madura, es como si se estuviera aventurando recién en el paso de una niña a una mujer, cuando descubre toda la sensualidad de las cosas que la rodean y de ella misma. La recuerdo con su ridículo sombrero o con su vestido de baile blanco o con el camisón de seda que no se quitó en su huída de París.

No quiero decir lo obvio, basta con ver la película y entender todo el mensaje de la época y del lugar que ocupa cada personaje. Pero en un sentido más personal, algunos tienen a su Lady Eve, y otros, como yo, a su Ninotchka. Me explico: se me hace terriblemente fácil ser lo que llamarías una persona aburrida y mecanizada, es un refugio, y si bien nunca fui comunista (a pesar de que me llaman comunistoide) como en el caso de Ninotchka, en mí la religión y el ser un buen hijo me proveyó toda la mecanización que necesitaba: no tenía por qué pensar sino seguir las reglas; podía creer que al seguirlas seguía una causa y llenar la necesidad que todos tenemos de sentirnos importantes, esta vez por el cumplimiento de un deber; y podía pensar que así todo estaba bien. Ahora veo en la trasformación de este personaje la transformación que quiero para mí mismo.

Pero dejemos eso para después y centrémonos en el romance, que de eso es de lo que se trata todo esto. Todo comienza con romper ese hielo que nos entumece. Nosotros no estamos acostumbrados a eso, pero he visto que cuando se acaba el invierno hay flores que como que se sacuden la escarcha que las oprimía y florecen. Eso pasa con Ninotchka a medida que empieza a frecuentar a Leon, su presencia hace que se derrita la frialdad caracterizada maravillosamente y sin esfuerzo por Greta Garbo. No me sorprende que parte del mercadeo de la película haya consistido simplemente en que en una escena Garbo ríe. Y no es ella la única que se deshiela, también Leon, hombre acostumbrado a codearse con la superficialidad y el artificialismo del amor entre millonarios. Es como un baile de máscaras al que ha llegado el patito feo. Y esta es una de las cosas más mágicas de esta película: mezclar un ambiente tan festivo en otro de gran seriedad. Ambos están en los lados opuestos de la línea que separa a dos enemigos. Y ninguno de los dos puede renunciar voluntariamente a sus respectivos bandos.

No es Romeo y Julieta, en el sentido del odio, ni como la Cenicienta, en el caso de la envidia, es realmente un mundo de distancia lo que separa a ambos personajes o el amor entre dos mundos irreconciliables. El inicio de la película nos los deja bien en claro cuando nos dice: "Esta película tienen lugar en París en aquellos maravillosos días cuando una sirena era una chica de cabello castaño y no una alarma, y si un francés apagaba la luz no era como precaución a un ataque aéreo". Pero el humor de la película es tan delicado que trata todos esos temas terribles de una de las maneras más festivas posibles. Todo el encanto que el terror se llevó consigo, no lo retorna la franca simpleza de nuestros protagonistas. Ella escapa en un avión porque tiene que hacerlo, y me he dado cuenta que en el cine cuando un avión aparece es para algo malo, porque uno nunca espera que la otra persona te persiga hasta el fin del mundo en otro avión. Montarse en el avión es ya dar todo por concluido y dejar atrás cualquier esperanza. Sin embargo, una vez más siempre estará París, y cuando París falla, tenemos alguno de esos pequeños países desconocidos donde exiliarnos de nuestros perseguidores.

Villano # 16: Conde Drácula

Título Original: Dracula.
Actor: Bela Lugosi.
Año: 1931

"Este es un vino muy viejo espero que te guste" comenta el Conde Drácula a su distinguido invitado, que le pregunta: "¿tú no vas a beber?", a lo que el Conde responde: "No... nunca bebo vino". Distinguido, culto, refinado y ávido de sangre, el mundialmente conocido Conde Drácula clava sus colmillos en nuestra lista y en el cuello de centenares de hermosas mujeres que seducidas por sus encantos y en un placer casi masoquista se dejan morder por el infame Conde en su paso a la inmortalidad.

Drácula es un vampiro de siglos de antigüedad, hechicero, y noble de Transilvania, que habita un castillo decadente. Y contrario a los vampiros del folklore de Europa del Este los cuales son representados con características grotescas y repulsivas, Drácula está lleno de un encanto aristocrático que disfraza su maldad.

El origen del personaje literario es un tópico muy debatido, se le atribuye mayormente a 2 personajes históricos, el primero es al Príncipe rumano Vlad III, sin embargo algunos historiadores no están de acuerdo con esto, ya que el Conde teme cualquier simbología religiosa, mientras que Vlad III era parte de la orden cristiana, otra creencia muy popular estos días, es que Bam Stoker (el escritor de la novela) se inspiro en la Condesa Elizabeth Bathory, que supuestamente mató a mas de 700 sirvientas jóvenes para bañarse o beber su sangre y así preservar su juventud. Pero indistintamente del verdadero origen del personaje lo que si es cierto es que la interpretación de Bela Lugosi es inolvidable, y simultáneamente tanto el Conde Drácula como Bela su intérprete original juntos se retiran hacia la inmortalidad

Aquí les adjunto un video con una de las escenas y frases mas famosas de la película, quisiera ponerles un trailer, pero para este año aún no existían, de igual forma... Disfruten.

Video:

Villano # 24: Malvada Bruja del Oeste

Título Original (y en español): The Wizard of Oz (El Mago de Oz).
Actriz: Margaret Hamilton.
Año: 1939.

"Ves este reloj de arena" le dice la bruja a la inocente Dorothy: "Pues eso es exactamente lo que te queda de vida". Maligna, inescrupulosa, tirana y pues... bruja, La Malvada Bruja del Oeste (en su idioma original conocida como The Wicked Witch of the West) representa al típico villano infantil lleno de detalles y clichés, la voz, la nariz, el color de piel y la escoba, todo lo que nos habían leído nuestros padres cuando estábamos pequeños y creíamos en la fantasía.

Lo impresionante de este filme es que no pierde ni su poder ni su magia y nos ha dado durante más de 5 décadas, a un mundo con el cual soñar y una bruja a la cual temer.

Aquí les adjunto una escena del filme donde por primera vez aparece la bruja... Disfruten.

Tiempos Modernos: Vanguardismo Laboral

Título Original: Modern Times.
País: EEUU.
Año: 1936.
Género: Comedia.
Duración: 87 min.
Estudio: Charles Chaplin Productions; United Artists.
Director: Charles Chaplin.
Ficha: http://www.imdb.com/title/tt0027977/

Tiempos Modernos engloba un momento muy especial, puesto que resulta la última aparición de "El Vagabundo" en una película silente, durante casi 22 años Charlie había interpretado al querido "El vagabundo" con gran maestría, y uno percibe que "Tiempos Modernos" es la gran retirada de tan amado personaje.

Las cosas habían cambiado demasiado, cuando Charlie empezó con este personaje (1914) permanecía todavía la inocencia del siglo XIX, pero ya para 1936 el panorama era distinto, el Charlie Chaplin director había madurado había dado cabida a la crítica social, política y laboral dentro de sus comedias, se volvió un hombre consciente así que ya no bastaba unos simples gags cómicos y empezar a rodar, la situación se había tornado complicada, si bien Chaplin siempre procuró brindar comedia al mundo, el mundo parecía pagarle exclusivamente con tragedia.

Todo empieza cuando Charlie hizo una gira mundial entre el 31 y el 32, cuando empezó a notar algunos problemas existentes en la sociedad, más específicamente en el ámbito laboral, Chaplin halló horrorizado como durante la Gran Depresión, la mecanización y la incorporación de máquinas en vez de favorecer, perjudicaba al trabajador, en una entrevista que otorgó durante su gira declaró: "la maquinaria debería favorecer a la humanidad, no debería significar la tragedia".

La trama de "Tiempos Modernos" inicia desde la fábrica donde trabaja "El Vagabundo" (Chaplin), un obrero cuyos nervios y reflejos están arruinados por las condiciones inhumanas en las que lo obligan a trabajar, poco después lo despiden del trabajo a causa de un ataque psicótico provocado por la indeseable situación laboral, estando despedido y tras varios arrestos injustificados, conoce a la pilluela (Paulette Goddard) y se enamora perdidamente y ambos luchan por ser productivos y económicamente independientes en una sociedad que parece querer lo contrario.

El filme es una maravilla lleno de momentos memorables, como el momento en que "El Vagabundo" se tranca en los engranajes de una de las máquinas de la fábrica, o cuando los jefes lo obligan a probar una máquina que alimenta a los trabajadores mientras ellos trabajan para que así no tengan que tomar descanso y sus jefes continúen explotándolos. A pesar de estar lleno de críticas sociales, el filme posee una magia casi inexplicable. Chaplin le añadió unos pocos diálogos a algunos personajes de la cinta e incluso pensó en añadirle diálogos a su personaje, pero luego se dio cuenta que "El Vagabundo" no funciona sin la pantomima, sin embargo podemos oír su voz en una escena en que es obligado a cantar.

Aparte la cinta resulta una joya, puesto que es el canto del cisne del querido "El Vagabundo", sin embargo, la muerte del héroe adorable del celuloide era inevitable, por una parte las películas habladas ya se habían instalado en la industria muy pocos estaban dispuestos a ver una película sin diálogos y la magia detrás del encanto del personaje se rompería se existieran diálogos, y aparte el Charlie Chaplin director había sufrido varios cambios y fue perfeccionando y madurando, hasta que en un punto su madurez y crecimiento sobrepasaron al personaje, nunca mas regresaría nuestro amado héroe, sin embargo, su recuerdo esta intacto en nuestra memoria, y lo recordamos justo como si fuera la primera vez en que ocurrió la magia y vimos su sombrero bombín y sus pantalones bombachos marchándose hacia el atardecer.

Aquí les adjunto el video donde es obligado a comer y consecuentemente sufre de un ataque de locura... Disfruten

Luces de la Ciudad: Una Mágica Comedia

Título Original: City Lights.
País: EEUU.
Año: 1931.
Género: Comedia.
Duración: 87 min.
Estudio: Charles Chaplin Productions.
Director: Charles Chaplin.
Ficha: http://www.imdb.com/title/tt0021749/

Ya desde 1927, después de "El Cantante de Jazz" (la primera gran película comercial totalmente hablada), Chaplin temía dar el gran salto, y realizar una película hablada, pues él consideraba que el sonido iba a ser el asesino del encanto del cine, quizás esta era una fachada pues Charlie temía quedarse virtualmente si carrera como pasó con muchos de las grandes estrellas del cine mudo como Gloria Swanson y John Gilbert, afortunadamente para Charlie, el estaba equivocado, aun mucho después de la introducción de sonido al cine su carrera pudo dar muchos más respiros. "Luces de la Ciudad" es uno de esos respiros.

Lleno de convicción, y contrariando el consejo de sus amigos y conocidos colegas, Charlie se empeñó en hacer este filme justo como lo concibió: mudo. Una vez que las películas con sonido llegaron a la industria se instalaron inmediatamente, el público las pedía con furor, por lo cual era difícil después de dicho avance en la industria ver una película muda, pero Charlie siendo una de las figuras más poderosas dentro y fuera de la pantalla lo logra. A pesar de todo, luego de terminado el rodaje, Charlie le agrego unos pocos efectos sonoros, después de todo, uno no puede vivir completamente alienado de los avances.

La trama de la película es una clase de comedia romántica, pero como siempre sucede con Charlie, la trama se despliega y da paso a una ligera sátira social y a una comedia clásica llena de gags perfectamente sincronizados. La trama se desarrolla así el vagabundo (Charlie Chaplin) se enamora fervorosamente de una violetera ciega (Virginia Cherrill), pero por ser vago y pobre no tiene nada que ofrecerle, afortunadamente el vagabundo conoce a un amigo millonario y despechado que le agarra cariño a nuestro querido héroe, pero hay un problema, el amigo millonario sólo recuerda al vagabundo cuando está borracho, lo cual desata una serie de eventos patéticamente cómicos y tanto maravillosos, como memorables, luego el amor que el vagabundo siente por la violetera lo transforma en un hombre honesto, cómo pasa siempre en las idealistas comedias románticas, y llevando a la escena final del filme la cual es realmente conmovedora.

La película es verdaderamente un hito del cine, bailando sutilmente entre el patetismo y la comedia, la escena en la que Charlie come spaghettis y se enreda con un papelillo en una fiesta es maravilloso, y hay una escena con una persecución policial que nos recuerda mucho a sus días de "Keystone Cops". Este film es personalmente el favorito de Charlie, y particularmente le encanta la escena final de la cual dijo: "Es una escena hermosa porque no está sobreactuada,... yo no estoy actuando".

El filme fue un triunfo tanto comercial como artístico, lo cual fue un alivio para Charlie, que actuó, dirigió, produjo, financió y compuso la banda sonora del filme. Aqui les adjunto un video de una de las mejores escenas del filme, en la cual Charlie se mete a boxeador para conseguir un poco de dinero para su amada... Disfruten.

Dracula: Terror de Transilvania

Título Origninal: Dracula.
País: EEUU.
Año: 1931.
Género: Terror.
Duración: 75 min.
Estudio: Universal Pictures.
Director: Tod Browning.
Ficha: http://spanish.imdb.com/title/tt0021814/

Si yo fuese rumano probablemente vomitaría al oír la palabra “vampiro”. ¡Pobre gente, lo que tienen que aguantar gracias al cine, demás medios de comunicación masiva y variedad de “wannabees”! Y es que es terrible que lo que todo el mundo recuerda de tu país sean un montón de pueblerinos ignorantes que advierten a los ingenuos viajeros de los peligros nocturnos, mientras viajan en una triste carreta a través de caminos delgados en escarpadas montañas; o castillos ruinosos, cuyo recuerdo atemoriza a los pobladores vecinos, donde habitan bien vestidos y seductores (además de longevos y bien conservados) “chupadores de sangre”, muy aburridos en medio de tanto polvo; o inclusive que “Transilvania” sea el hogar natal de cuantos “freaks” y “queers” han salido a la luz en este mundo. ¡¡¡No debe de haber en el planeta algún mortal que no conozca a Drácula, pero ninguno de ellos han leído el mal nacido libro para aparentar un poco de cultura!!!

(Volviendo a la cordura) si los alemanes llevaron a Drácula (Nosferatu) al cine por primera vez, los norteamericanos lo inmortalizaron, en el cuerpo nada repulsivo, más bien seductor, delgado y taciturno de Bela Lugosi. Y hay tanta verdad en estas palabras que el resto de la carrera de Lugosi consistió en interpretar una y otra vez a su personaje… La película de 1931 nos muestras al Drácula que todos queremos: galante enfundado en su larga y negra capa, levantando amenazadoramente sus manos (bien cuidadas) mientras muestra unos diminutos pero eficientes colmillos. Tiene, además, otro mérito: ser la primera adaptación sonora del libro de Bram Stoker y de traernos elementos muy conocidos, como las “vampiresas” o los cambios humano-murciélago de estas criaturas, ausentes en la versión alemana de la historia.

En cierta forma, Drácula es una especie de mundo al revés, es como nuestro opuesto: en vez de vivir de día, sale de noche, y en lugar de darle asco nuestros más comunes miedos, como las ratas y los insectos, convive con ellos, es decir, hace normalmente lo que vemos anormal. No huye, como el tierno Nosferatu, sino que como una araña trama y espera a que caigan sus víctimas. Quizás sea eso la fuente de su poder fascinador: no es lo suficientemente “diferente” a nosotros como para rechazarlo, pero si muy “distinto” como para no poder convivir con él, de tal forma que siempre por muy conocido mantendrá un halo de inaccesibilidad… para los que rellenan de misticismo palabras vacías claro.

PS: es interesante, pero Stoker escribió la mentira más falsificada que conocemos… y todo tratando de competir con el hombre lobo de sus tiempos…

La Edad de Oro: el brillo de una mente censurada.

Título Original: L'Âge d'or.
País: Francia.
Año: 1930.
Género: Drama, Fantasía, Thriller.
Duración: 60 min.
Estudio: producido por Vicomte de Noailles.
Director: Luis Buñuel.
Ficha: http://www.imdb.com/title/tt0021577/

Amour Flou o Amor Loco, fue la manera como Buñuel calificó a su segunda película, y primer largometraje, para el cual contaría con el financiamiento y producción de los vizcondes Noailles, la ayuda contable de su novia y futura esposa Jeanne Rucar, su camarógrafo predilecto Daverger y sin la ayuda de Salvador Dalí, el cual solamente aportó las ideas para una escena. Su película fue tomada como una metáfora de la condición de los círculos surrealistas que pregonaban el vivir bajo una moral propia en contra de las restricciones que imponían otras instituciones morales. Volvemos entonces a ver en escena una película de imágenes agresivas con una tremenda carga emocional, que gira en torno a dos personajes (Gaston Modot y Lya Lys) que luchan por dar rienda suelta al amor pasional que sienten mutuamente pero que es repetidamente interrumpido.

La película cuenta, como en Un Perro Andaluz, con un alto grado de incoherencia, escenas absurdas (como la vaca acostada en la cama de Lys o la carreta campestre en medio de una fiesta burguesa) e imágenes que impresionan al espectador; pero las cuales son manejadas dejando de lado la mezcla caprichosa de sueños. No es que Buñuel se halla vuelto lineal o racional, sino que desarrolla su esquema de “sueños encadenados” en uno de “tramas dentro de la trama”, es decir, existe una trama central y junto a ella un conjunto de sub-tramas y tramas adicionales que no tienen que ver con la trama central. Cosa posible gracias a la libertad y confianza que en él tenían los Noalliles, los cuales solamente le pusieron una condición a su libertad creativa: que la música del film fuera de Stravinsky.

La película tiene el mérito de haber sido el segundo o tercer film sonoro de Francia y el primero en la historia del cine en usar la técnica de la voz en off, ampliamente utilizada después por el Cine Negro. Aún más el dudoso honor de haber provocado la indignación de los grupos parisinos de ultraderecha que llegaron al punto de destruir una de las salas de proyección de la película. La película fue prohibida hasta 1981 en Francia. En palabras de Buñuel “causó desmayos, un aborto y más de una treintena de reportes policiales”. Pero sobrevivió al paso del tiempo, dejando en la memoria imágenes como Lya Lys chupando el dedo de una estatua esperando impaciente en un jardín a que su pasional amor regresara.